Lucho Gatica Una Gran Voz Que Le Canta Al Bolero

Lucho Gatica nació en el barrio Población Rubio de Rancagua, pueblo minero de la zona central de Chile, el 11 de Agosto de 1931 siendo bautizado con el nombre de Luis Enrique.. Sus padres fueron Don José Agustín Gatica y Doña Juana Silva, Tras la muerte de su padre, Hecho que ocurrió cuando el solo tenía 3 años de edad en 1933 la familia pasó muchas privaciones,  y le tocó a Doña Juana la titánica labor de sacar adelante a su extensa familia. Fueron tiempos difíciles pero "los Gatica-Silva" formaron un clan indestructible que no perdió la fé y la esperanza en el futuro. Tampoco faltó nunca en el hogar de Doña Juana una sonrisa y una canción para comunicar optimismo y unidad familiar.

Arturo Gatica fué el primero de los hermanos en lanzarse profesionalmente como cantante en Chile. Poseedor de una maravillosa voz de barítono, Arturo alcanzó gran popularidad interpretando cuencas y otras canciones del folklore chileno pero también incursó en otros géneros musicales. Fué el consentido de las estaciones radiales y sus presentaciones personales en teatros y "nightclubs" demostraban su gran poder de convocatoria, y fue quien le apoyó en sus inicios. Lucho estudió en el Instituto O'Higgins de Rancagua, dependiente de la congregación católica de los Hermanos Maristas, y en 1941 empezó a cantar en revistas de gimnasia y en la radio de Rancagua, a dúo con su hermano, a los 13 años.

 En 1943, grabó su primer disco: Negra del alma, acompañado por las guitarras de dos amigos: Antonio Muñoz y Ernesto Rossón,

Abandonó sus estudios como técnico dental para dedicarse al canto y en 1949 graba a dúo con Arturo un disco para Emi Odeón, con canciones criollas. Posteriormente editó "En nosotros" y "Amor, qué malo eres" que fueron un éxito de ventas.

Siguió grabando acompañado por el Trío Los Peregrinos "Sinceridad" y "Contigo en la distancia" que le dieron éxito internacional. En la década de 1950 fue coronado como "el rey del bolero" por su renovador estilo interpretativo. En 1957, se radica en México, donde lanzó "No me platiques", "Tu me acostumbraste" y "Voy a apagar la luz".

Se casó el 21 de mayo de 1960 con la actriz puertorriqueña María del Pilar Mercado conocida artísticamente como Mapita Cortés, con la que tuvo 5 hijos. Posteriormente se casa con Diane Lane Schmidt, una modelo estadounidense con quien tuvo a su sexta hija, y en 1986, con Leslie Deeb, con la que tuvo otra hija.

Se le otorgó una estrella (la número 2.354) del Paseo de la Fama de Hollywood el 25 de enero de 2008, siendo el segundo chileno en recibir tal reconocimiento.

Discografía Seleccionada:

Inolvidables con Lucho (1958)

El gran Gatica (1958)

Encadenados (1958)

Canciones de huasos y gauchos (1959)

Lara by Lucho (1960)

40 años cantándole al amor (1992)

Lo que me queda por vivir (1996)

Yo Soy El Bolero Les Desea Flices Fiestas Patrias!

En Este Mes Patrio Son Los Mejores Deseos De que Todos Los Peruanos Tengamos, Paz, Amor y Mucha Prosperidad, Son Los Sinceros Deseos De Yo Soy El Bolero.

YO SOY EL BOLERO TE DESEA FELIZ DIA MAMÁ

Para este día existen muchos regalos para hacer pero, si a todo esto le acompañamos con tarjetas o una carta, con unas palabras muy emotivas sobre nuestro sentimiento hacia ella, o se lo decimos cara a cara sin ningún tipo de tapujos ni vergüenzas, seguro que hacemos que sea aún mucho más especial.

 

Tus brazos siempre se abren cuando necesito de un abrazo. Tu corazón sabe comprender cuándo necesito una amiga. Tus ojos sensibles se endurecen cuando realmente necesito una lección. Tu fuerza y tu amor me han dirigido por la vida y me han dado las alas que necesitaba para poder volar.

 

Yo Soy El Bolero Les Desea Feliz Día! a Todas Las Madres Del Perú y Del Mundo.

 

Vitin Aviles Una Voz Que Prevalece A Través Del Tiempo

La trayectoria artística de Víctor Manuel Avilés Rojas, conocido por todos como Vitín Avilés, abarcó fructíferas pasantías por varias de las más célebres orquestas exponentes de la música afroantillana, colaboraciones discográficas con otras tantas y exitosas etapas como solista. Este admirado cantante fue calificado por los críticos más exigentes como tan buen rumbero como bolerista. Dicho en palabras claras, se trata de un intérprete versátil y de estilo único. A juicio de muchos de sus seguidores, su mayor mérito lo constituyó haber sido seleccionado por Xavier Cugat como vocalista del álbum “Merengue by Cugat!” (CBS, DKC-10454), grabado en 1955, respondiendo a la petición del entonces dictador dominicano Rafael Leonidas Trujillo. Tal producción sigue siendo considerada la más exitosa, a nivel mundial, en la historia del merengue.

Irónicamente, el nombre de Vitín Avilés alcanzaría pleno cartel estelar a partir de 1974, luego de más de 30 años de intenso quehacer artístico, durante los cuales intervino destacadamente en cerca de 40 álbumes de música cubana tradicional y salsa, acompañado por bandas y conjuntos estelares. Aquel año grabó el disco de boleros “Canta al amor” (Alegre, SALP-8676) que generó tres exitazos: “Fui más leal” y “¿Por qué ahora?” (de Bobby Capó) y “Temes” (de Tite Curet Alonso). Esta producción es considerada un clásico de la discografía nacional.

Vitín Avilés era un músico intuitivo. Jamás estudió canto ni instrumento alguno. Nació el 30 de septiembre de 1924 en el barrio San Silvestre, Mayagüez. Durante su temprana juventud ejerció el oficio de barbero que aprendió con su progenitor, al tiempo que hacía sus pinitos como aficionado en diversos programas de la radioemisora WPRA en su natal Mayagüez. Por su privilegiada voz, se le anunciaba pomposamente como «Mojiquita», remoquete con que se pretendía compararlo con el aclamado tenor mexicano José Mojica.

En 1943 emprendió su carrera profesional al incorporarse a la Orquesta Hatuey, dirigida por el pianista William Manzano. Con aquella organización, en la que también figuraba Mon Rivera, estuvo cerca de un año. Y, luego de varios meses en Orquesta Anacaona, del pianista cubano Abdías Villalonga, decidió radicarse en San Juan, en 1944.

En la Ciudad Capital encontró rápidamente acomodo en la naciente orquesta del trompetista Miguelito Miranda. Fue acompa?ado por esta banda que, en 1947, grabó un disco por primera vez. Tal placa (78 rpm) contenía la guaracha “La televisión”, en cuya letra sus autores, los cubanos Tony Fergo y José Carbó Menéndez, anunciaban la llegada a Latinoamérica del que sería considerado “el invento del siglo”. Pocos meses después, nuestro biografiado decidió establecerse definitivamente en Nueva York que, entonces, era una de las plazas más importantes para los músicos hispanos.

En la Gran Urbe agotó una pasantía de doce años (1947-1959) con la famosa orquesta del cubano Pupi Campo, también cantante. No obstante, en el interín colaboró en grabaciones con la Lecuona Cuban Boys, Machito & His Afrocubans, las encabezadas por Enrique Madriguera, Moncho Usera, Tito Puente y Tito Rodríguez, así como con Payo Alicea & Sexteto La Playa, el Cuarteto Marcano y, como apuntamos al principio, con la gran banda de Cugat.

Culminado su ciclo con Pupi Campo, este talentoso puertorriqueño fue reclutado por su compatriota Noro Morales, con cuya orquesta trabajó en muchas ciudades de Estados Unidos y en Puerto Rico. Desde 1959 hasta el fallecimiento de aquel virtuoso pianista, actuó permanentemente en el Hotel La Concha, en San Juan, aunque mantenía su residencia oficial en Nueva York. Posteriormente, fue vocalista oficial de la batuteada por Usera (1964-1965); dirigió su propio combo y grabó como solista para los sellos Seeco y Musicor, así como con Steve Hernández y Su Orquesta Latinoamericana (1970). Durante el período 1971-1975 – además de actuar frecuentemente frente a su grupo – fue habitual en la nómina de la banda de Charlie Palmieri. Con éste se acreditó tres exitazos: las guarachas “La vecina” y “La hija de Lola” (originales de Raúl Marrero) y el bolero “Dueña de mi corazón”, de Pepé Delgado.

A su álbum mejor vendido, “Canta el amor”, cuya producción dirigieron Tito Puente y Joe Cain, le siguió el titulado “El mensajero del amor” (ASLP-6004), editado por Alegre Records en 1975 y cuya dirección musical se delegó en el argentino Horacio Malvicino. A raíz de aquellos lanzamientos se recrudeció una vieja polémica basada en la similitud de su estilo y de su timbre vocal con los de Tito Rodríguez. ¿Quién imitaba a quién? Tal era la incógnita que muchos admiradores de ambos anhelaban develar. Pero, en realidad, ninguno intentó jamás imitar al otro. Todo era pura coincidencia. Se recuerda que, en 1954, compartieron la grabación de un disco con cuatro canciones en 33 rpm. Y, cuando cada cual hacía solos, hasta a los más fervorosos seguidores de ambos les resultaba difícil diferenciarlos. Por otro lado, tanto Vitín como Tito, amigos desde muy jóvenes, disfrutaban de la controversia que había surgido en torno a ellos y nunca uno acusó al otro de pretender imitarlo, aunque la mayoría de los coleccionistas y conocedores seguirían insistiendo en que la característica de acortar la duración de las notas “dejándolas caer” y entonar semi-hablando las melodías, así como el peculiar timbre vocal que guiara al estrellato a Tito Rodríguez se evidenciaron primero en Vitín Avilés.

Desafortunadamente, la compañía Fania – que había adquirido el catálogo Alegre – no dio seguimiento al impacto de aquellas producciones bolerísticas que hubieran encaminado a este gran cantante hacia la consagración definitiva. Además, en Nueva York, Puerto Rico, Venezuela y otros mercados importantes la radio limitó la difusión de música romántica para dar paso a la balada pop, forzándolo a concentrarse en el ámbito salsero. En 1979 grabó en Caracas el álbum “Vitín Avilés con la Súper Orquesta Venezuela” (Velvet, GS-3007), compartiendo las vocalizaciones con Nelson Pinedo y Nelson Alizo, éste último, también pianista, arreglista y director de la referida banda. A partir de los 80 dedicaría la mayor parte de su actividad musical al trabajo de estudio, integrando los coros en grabaciones de otros artistas. Con cierta regularidad se presentaría en salones de baile acompañado por diversos conjuntos.

Vitín Avilés contrajo nupcias con la dama Isabel González en 1983. De su primer matrimonio es fruto Víctor Manuel Jr. (n. en 1944), quien se desempeña como mecánico de la empresa Norelco. Tiene otro hijo, Christopher (n. en 1979), que es adoptivo. Hasta el 2000, había grabado 50 álbumes como cantante de orquestas estelares y en calidad de solista. Sus colaboraciones con otros solistas y agrupaciones salseras integrando los coros sobrepasaron el centenar.

El artista mayagüezano que se conoció en el ambiente como “El Cantante del Amor” falleció el 1ero de enero de 2004 en un hospital de Manhattan en la ciudad de Nueva York.

Montserrat - Boleros Com Bossa 2007

Montserrat nació en Las Canarias un 27 de Abril y lleva ese nombre pues el día en que nació es consagrado en España a Nuestra Señora de Monserrat Virgen Patrona de Cataluña su iniciación musical fue lírica, desarrollando un notable registro de soprano. Hoy destaca por su versatilidad para interpretar diferentes géneros musicales con un estilo propio que se ajusta perfectamente para la fusión entre el bolero y el bossa con su voz cálida y romántica en la justa medida.
En el año 2003, inicio su carrera como cantante, entre Mayo y Septiembre termino de Grabar y lanzo al mercado su primer Disco titulado “Añoranza”, donde se permite arreglos con paseos por la bossa, el jazz, el tango, un poco de samba-canção y flamenco, donde la soprano pone un especial énfasis de romanticismo en los ritmos y las letras de una serie de boleros considerados clásicos. y donde aparece acompañada por músicos de la talla de Chucho Valdés (Tu me acostumbraste), Pablo Milanés (Años), Pio Leiva, integrante del Buena Vista Social Club (El Manisero) y Mundito González, el Rey del Bolero en (Solamente una vez), y se permite arreglos con paseos por la bossa, el jazz, el ' tango, un poco de samba-canción y flamenco. Estas grabaciones fueron hechas en La Habana, Cuba, "cuando estos artistas maravillosos quedaron encantados con el proyecto, los arreglos contemporáneos para temas tradicionales y la unión con músicas brasileñas", afirmó Montserrat.

La idea del proyecto Boleros con Bossa surgió cuando Roberto Menescal escuchó a Montserrat cantar "Insensatez" de Tom Jobim y quedó encantado. "Hace mucho tiempo que buscaba una voz femenina fuerte, marcante y con autenticidad para grabar un disco de clásicos de bolero con arreglos de Bossa Nova. Mi encuentro con Montserrat no hubiera podido ser más completo, agregó por su parte Menescal, que firma los arreglos y acompaña a Montserrat en el fonograma.
Al ejecutar clásicos del bolero con el toque de la bossa nova, el resultado es la disminución de la dramaticidad de los temas. "Hay menos dolor y más swing", resumió el productor Sergio Scol.
Para la cantante, "fue una inmersión total en la bossa nova, pero Menescal sabía exactamente lo que quería sacar de mí y alcanzó su objetivo: me concentré en un romanticismo más tranquilo y alejado del dolor pasional del canto lírico y del canto español. Técnicamente, fue un poco difícil porque tenía que cantar con una inflexión un poco diferente, al contrario de lo que he hecho hasta ahora", recordó la artista.

El show de lanzamiento en gira fue por Brasil, Buenos Aires y Montevideo continuando por América del Norte, Europa y Asia.
Fue concebido y dirigido por Miólle, que entró en el proyecto por indicación del propio Menescal por la proximidad del artista con los dos géneros musicales.
En el proyecto, Mióle consiguió llevar al escenario, la unidad entre los dos géneros, de acuerdo con la opinión de Menescal y Montserrat, de que los dos ritmos son semejantes, un lenguaje que es tratado de forma diferente.
Acompañada por Sergio Bello en el bajo, Fabio Canela en la batería, Julián Tirado en la guitarra y Lucas Vargas en el teclado y acordeón, en los shows Montserrat interactuará por medio de proyecciones con Menescal, Toquinho y Mióle, que cuenta bellas historias inéditas que narra entretelones de los boleros y de la Bossa Nova. En el repertorio, mantiene algunos hits de "Añoranza", el CD anterior, como "Años", grabada con Pablo Milanes, y "Gracias a la vida", de la chilena Violeta Parra así como "Bésame mucho", "El reloj" y "Esta tarde vi llover".



Track List:
01-El Reloj
02-Sabor a Mi
03-No Me Platiques Mas
04-Besame Mucho
05-Contigo Aprendi
06-Tu Mi Delirio
07-La Puerta
08-Verdad Amarga
09-Contigo en la Distancia
10-Esta Tarde VI Llover
11-La Mentira
12-Tu Me Acostumbraste

Músicos:
Montserrat (voz)
Roberto Menescal (guitar, violin)
Sergio Bello (bajo)
Julián Tirado (uitarra)
Fabio Canela (batería)
Lucas Vargas (teclado y acordeón)
Flavio Paiva (flute)
Guta Menezes (bagpipe)
Adriano Souza (keyboards)
Adriano Giffoni (bass guitar)
Joao Cortes (drums)

Pacho Alonso Una De Las Voces Del Siglo

Resulta posible que las aulas escolares de Santiago de Cuba perdieran a un consumado educador y que el depone de esta ciudad se privara del disfrute, en los años 40, de un atleta de altos rendimientos. Sobre todo a partir de 1951 cuando Pacho Alonso (1928-1982) decidió trocar estas disciplinas por el arte del canto popular.
Realmente desde muy temprana edad, ya Pacho mostraba una marcada disposición por la canción. Esto explica que no fuera puro entusiasmo infantil el estar entre los primeros, siempre dispuesto a cantar en cuanta actividad artística quedara organizada en su escuela.
Ya en la adolescencia se le podía escuchar cantando con cierta frecuencia en el teatro "Coliseo" de su natal Santiago de Cuba, y algo después, como un aficionado más, tanto en la legendaria "Cadena Oriental de Radio" para su espacio de alcance nacional "Revista Popular del Aire". como en la histórica CMKC, en angustiosos años de puro debate sentimental entre sus preferencias artisticas y el magisterio.
A mediados de los años 40, Pacho Alonso arriba por vez primera a la capital cubana formando parte de una delegación deportiva. La gran ciudad, deslumbrantes emísoras radiales y anuncios luminicos de importantes centros nocturnos, rebosaron las ansias del joven Pocho por dedicarse enteramente al canto. Esto lo llevó a frecuentar algunos estudios de emisoras de radio capitalinas, donde tuvo la fortuna de conocer al director de orquesta Bebo Valdés y al cantante y compositor José Antonio Méndez. Estimulado por estas dos grandes figuras del arte musical debuta Pacho Alonso en la emisora radial "Mil Diez" órgano difusor del Partido Socialista Popular
A su regreso a Santiago de Cuba, procuró con ahínco algunos espacios como cantante en las bandas de Pancho Portuondo y Chepin Chovén. Sin embargo, no sería hasta el año 1951 en que definitivamente alineó como vocalista de planta en la formidable jazzband del saxofonista santiaguero Mariano Mercerén, agrupación con la que se mantendría hasta 1954 al organizar su propio conjunto.
En 1957 Pacho decide instalarse definitivamente en la capital cubana y junto a su agrupación musical se dedica a amenizar bailables en importantes centros nocturnos y sociedades de recreo. Esto movió a algunos empresarios radiales y de la televisión a divulgar con mayor vuelo el buen cantar y la imagen de este inquieto artista.
Por estos años el elegante hotel habanero Deauville le contrata para sus noches de boleros, con las ganancias Pacho y sus músicos fundan un sello discográfico al que bautizan en el registro de la propiedad con el nombre de MOMO. Con esta marca grabó un sencillo que atrapó, por ambas caras respectivamente, el son montuno de Electo Rosell "Doame un chance" y el bolero del inspirado Otilio Portal titulado "Enferma del alma ''. Estas acciones Significaron mucho para el definitivo despegue artístico de Pocho, pues no solo daba inicio a lo que luego sería una importante carrera discográfica, sino que con esta, su voz sería lanzada a través de las victrolas traganiouel, radio, y algo después la televisión, generando una verdadera lluvia de contratos para actuar en importantes espacios que lo llevaron a que la poderosa discográfica RCA Victor; a través de su dependencia en Cuba conocida por Discuba, lo contratase como "Exclusivo" para este importante sello.
Sin lugar a dudas Pocho Alonso fue un excelente, genuino y fiel intérprete de nuestros más emblemáticos géneros y formas musicales. Fue un auténtico intérprete del bolero, el cual dominaba con un estilo expresivo muy peculiar; que en ocasiones, por no decir todas, rubricaba un trasfondo muy cercano al modofeeling. Quizás esto lo llevó o incluir en su extenso repertorio composiciones emblemáticas de Frank Domlnguez, Martha Valdés, José Antonio Méndez, Ela O' Farrill y Tania Castellanos. Pero además, su repertorio incluyó creaciones de Bobby Capó, Enrique Bonne, Pedro Vega, Juan Almeida, y Rubén Rodrlguez, en las que no ocultaba en cada in terpretación suya, el aliento filinero en la expresión, delimitando que la obra de estos creadores distaba de este estilo.
Este CD compila en sus tracks algunos de los temas de mayor preferencia grabados por Pocho Alonso en su carrera y que los fieles amantes de su arte magnífico aún prefieren, en primer lugar por lo que representa para nuestro amplio espectro musical, y porque Pocho se inscribe en la historia musical cubana, como uno de los mayores exponentes del buen cantar y sobre todo elde interpretar El Bolero.
Pacho Alonso - Las Voces Del Siglo 2007
Track List:
01.Niebla del riachuelo / Bolero / Cadicamo y Cobián
02.Imágenes / Bolero / Frank Dominguez
03. Tú no sospechas / Bolero /Marta Valdés
04.Juguete / Bolero / Bobby Capó
05.Mefaltabas tú / Bolero / JoséA. Méndez
06.Soy tu ley / Bolero/Gustavo Casals y Freddy González
07.Son cosas que pasan / Bolero /Ela O'Farrill
08. Como pienso en ti /Bolero /Roberto Puente
09.Mi manera de ser / Bolero / Luis Garcia
10.Persistiré / Bolero / Rubén Rodriguez
11.Mejor concluir / Bolero / Juan Almeida
12.En nosotros / Bolero / Tania Castellanos
13.Algo contigo / Bolero / Chico Novarro
14.La palabra adios / Bolero / Roberto y Erasmo Carlos
15.Perdone usted / Bolero / Enrique Bonne
16.Dame la mano / Bolero / Enrique Bonne

Temas Grabados Con:
Pacho Alonso y Los Bocucos: 1, 4, 5, 6, 8, 9, y 10
Orquesta Pachito Alonso: 11 y 13
Pacho Alonso Y Los Pachuchos: 12, 14, 15 y 16
Orquesta De Bebo Valdés: 2, 3, y 7

“Los Cuatro Hermanos Silva - Voces Que Prevalecen A Través Del Tiempo”

En la Historia de la música típica chilena, y Sobretodo Del Bolero Los Cuatro Hermanos Silva están entre los intérpretes que en los años '40 renovaron ese repertorio con la actuación de mujeres en el rol de cantantes y figuras escénicas, y es el conjunto que con más persistencia ha exportado su música a nivel internacional, extendida desde el repertorio chileno al latinoamericano.
Su nombre era Lolita
Originario del pueblo de Panquehue, en la provincia de Aconcagua, el grupo nació en una familia de nueve hermanos. Olimpia, Malvina, Hugo, René, Julio y Nono Silva, junto al músico Pablo Castro, fueron los iniciadores del conjunto, que pronto decantó en su formación definitiva, con Olimpia en voz, más conocida como Lolita, y Hugo, René y Julio en voces y guitarras, además del arpa que Hugo Silva aprendió del músico Mario Cabello.
El debut de Los Cuatro Hermanos Silva data de 1945, cuando ganaron un concurso para músicos aficionados organizado por Radio Prat, ante un jurado que integraban el actor Carlos Cariola y la folclorista Margot Loyola. El premio incluía un contrato por tres meses para actuar en la emisora, y el grupo se inició cantando música chilena recopilada en la zona central, con los conjuntos de huasos típicos como influencia.
Pioneros en actuar con una mujer en el atuendo de huaso reservado por tradición para los hombres, según apunta el musicólogo Juan Pablo González, Los Cuatro Hermanos Silva coincidieron con el ascenso de la figura femenina en el espectáculo de la música típica, encarnado primero por Ester Soré y más tarde por Carmen Ruiz en el conjunto Fiesta Linda o por Silvia Infantas al frente de los Baqueanos y los Cóndores.

Un primer éxito del conjunto, según refiere el folclorista Nano Acevedo, es la tonada ''Ya viene llegando el día'', de Guillermo Soudy, y uno de sus tempranos discos de 78 rpm, grabado para el sello Odeon, consiste en las canciones ''Mi banderita chilena'', de Donato Román Heitman, y ''Río río'', de José Antonio Soffia, acreditado a los ''Hermanos Silva con acompañamiento típico''. Otras grabaciones suyas son las tonadas ''El delantal de la china'', de Antonio Viergol y Osmán Pérez Freire, y ''Ende que te vi'', de Luis Bahamonde.
A dos años de su debut, Los Cuatro Hermanos Silva ya trabajaban en Radio Minería en 1947 y en el programa ''Ésta es la fiesta chilena'' de Radio Corporación en 1948, año en el que también formaron parte de la ''La fiesta en los campos chilenos'', una revista iniciada en 1928 por Francisco Mieres con la que se presentaron en la medialuna de Maipú junto al Dúo Rey Silva y a las Cuatro Huasas de Esther Martínez. Además animaron la bohemia capitalina de la época, en lugares como El Rosedal, El Pollo Dorado y la revista ''Bim Bam Bum'' del Teatro Ópera, lugares en los que actuaron con el propio Dúo Rey Silva, Los Tres Diamantes, los mexicanos Los Panchos y otros tríos de boleros. Es toda esa actividad las que les valió ganar el premio Caupolicán, otorgado por la prensa desde 1950.
Los Hermanos Silva, México y la era del long play
Para los años ’50, Los Cuatro Hermanos Silva ya estaban actuando en otros países. Tocaron en la radio Splendid de Buenos Aires, en 1956 visitaron Colombia y en 1957 recorrieron Venezuela, Panamá, Costa Rica, Salvador y México, donde, ya iniciada la era del long play, fueron contratados por el sello RCA Victor.

Fue el inicio de sus grabaciones más célebres. Hacia el mismo año, tras actuar en catorce países y obtener la distinción de embajadores artísticos oficiales del gobierno de Chile, grabaron el disco Folklore latinoamericano con los 4 Hermanos Silva (1957), cuyo solo título da cuenta de los nuevos repertorios reunidos por el grupo en sus viajes. Y la selección de canciones lo corrobora.
En ese LP están la zamba ''Recuerdos de Ipacaraí'', la postal folclórica paraguaya ''Pájaro campana'', los boleros ''Cuando tú me quieras'' y ''Amore mío'', de Moreno y Barrios y de Mario Clavell; el ''Carnavalito quebradeño'' andino, con charango incluido; el más famoso vals peruano con ''La flor de la canela'', de Chabuca Granda, y las tonadas ''Yo vendo uno ojos negros'', con arreglo de Donato Román Heitman, ''Ende que te vi'', de Luis Bahamonde, y ''Las dos puntas'', de los argentinos Osvaldo Rocha y Carlos Montbrun Ocampo.
Al igual que un grupo como Los De Ramón o que un movimiento completo como el de la Nueva Canción Chilena, Los Cuatro Hermanos Silva se remitieron no sólo a las raíces chilenas sino también al folclor latinoamericano, y en su caso buscaron también las expresiones más reconocibles de ese folclor. Para RCA, se trataba de ''un conjunto típico creado especialmente para dar una nueva dimensión al cancionero vernáculo, dimensión que hiciera de fácil y grato acceso la música popular para todos los públicos del mundo. Los Hermanos Silva perseveraron largo tiempo en la enorme tarea de vaciar en estos moldes accesibles el folklore musical de Latinoamérica'', según la reseña del primer LP.

En adelante el conjunto grabaría nuevos éxitos como el bolero ''Quisiera ser'' y el joropo ''Alma llanera'' en la seguidilla de LPs Mosaico latino, Vuelven Los Cuatro Hermanos Silva, Nostalgias de Chile y Estampas musicales, un disco que mantiene la tendencia con canciones como ''Río rebelde'', del compositor argentino Félix Humberto Cholo Aguirre, ''Carnavalito gitano'', del español Augusto Algueró, y nuevas citas a Chabuca Granda en ''Fina estampa'' y a Luis Bahamonde en ''Qué lindo es el amor''.
Pájaro campana y flor de la canela: Hermanos Silva para el mundo
A partir de entonces Los Cuatro Hermanos Silva se transformaron en un producto de exportación y tocaron en sitios tan disímiles como Puerto Rico, donde actuaron en los años '60; Estados Unidos, con presentaciones en Las Vegas; España y Japón, al tiempo que estos repertorios y otros más recientes alimentaban una amplia gama de compilaciones y reediciones.
El cancionero del conjunto, ya traspasada la era del CD, es accesible en compilados con títulos como 10 super éxitos (1991), que incluye ''Regresa a mí '', ''Alma llanera'' o ''Recuerdos de Ipacaraí''; Carnavalito humahuaqueño (2004), con ''La flor de la canela'', ''Paisaje de Catamarca'', ''Angélica'', ''Pájaro campana'', ''Alma llanera'', ''Fina estampa'' y ''Dos puntas'' y El cóndor pasa (2004), con ''El cóndor pasa'', ''Noches de Tucumán'', ''Los ejes de mi carreta'', ''Ende que te vi''.
Más elocuente es la serie de cuatro volúmenes de Ecos de los Andes (1991), donde figuran desde ''Pájaro chogüí'' o ''Caminito del indio'' hasta clásicos chilenos como ''Si vas para Chile'' y ''Gracias a la vida''. Y Los Cuatro Hermanos Silva también han grabado discos recientes, como Canto a América (1995), que evidencia la edad del grupo al incluir éxitos de plenos años '80 y '90 como ''Lo voy a dividir'' y ''Caballo viejo'', popularizados por Raphael y Julio Iglesias, al lado de la zamba ''Sapo cancionero'' y de ''Todo cambia'', de Julio Numhauser, una de las más recurrentes canciones del exilio chileno.
Ese mismo viejo long play de 1957 ha sido reeditado y remasterizado con medios digitales. Pasó de llamarse Folklore latinoamericano con los 4 Hermanos Silva a Latin american evergreens, pero son las mismas doce canciones grabadas en México por un conjunto chileno iniciado en Panquehue en el año '45. Fueron muchos los músicos y cantantes que en la primera mitad del siglo pasado tuvieron éxitos en la música típica chilena, pero muy pocos como Los Huasos Quincheros o el Dúo Rey Silva han cumplido la edad necesaria para llamarse longevos, y entre ellos ninguno como Los Cuatro Hermanos Silva dio el salto hacia la música típica de todo un continente, para quedar disponible hasta nuestros días por igual en tiendas de Internet y en aeropuertos del mundo.